headroom в музыке что такое
Просто и полезно: 4 приема, улучшающих любую песню
Затраты минимальны, результат максимален.
Работая с музыкой и накручивая очередной проект в попытках достичь отличного звука, очень легко забыть о совершенно простых методиках, улучшающих звучание трека. Несмотря на то, что полагаться всегда нужно только на свои уши и ощущения (нравится/не нравится), некоторая помощь со стороны технологий не повредит никому.
1 Спектральный анализ
Практически в любой музыке бас и бочка служат фундаментом трека. Проблема в том, что эти два элемента не могут спокойно жить вместе — рано или поздно их частоты начинают конкурировать друг с другом за место в миксе, что напрочь убивает звучание трека. Задача каждого из нас в том, чтобы развести этих ребят в разные стороны и чётко обозначить им границы дозволенного.
Все мы знаем популярный и эффективный приём с подрезкой частот в районе нижнего низа. Всего-то и нужно эквализовать бас таким образом, чтобы бас как бы обтекал бочку. Проблема в том, что без качественных мониторов ближнего поля найти конфликтные моменты довольно сложно. И здесь на помощь приходит спектральный анализатор. Конечно, считать панацеей анализатор не стоит, но увидеть то, что уши не слышат точно получится.
Как использовать
Поместите спектральный анализатор на главный выход DAW. Солируйте бочку и включите воспроизведение — плагин покажет диапазон частот инструмента. Затем сделайте то же самое с басом, чтобы увидеть его зону обитания в миксе. Сравните данные анализа по обеим дорожкам: столкновения живут там, где частоты на спектре совпадают.
Проанализировать лучше все инструменты, живущие в схожих частотных диапазонах: к примеру, гитары. Некоторые анализаторы умеют анализировать сразу два источника сигнала (Voxengo SPAN), что значительно облегчает анализ.
Найдя проблемные частоты в проекте, устраните столкновения эквалайзером. После каждой правки сверяйтесь с анализатором — слишком активная эквализация может испортить проект целиком.
Бесплатные спектральные анализаторы
2 Проверка на грязь
Низкокачественное сведение и недостаточный мониторинг — основные проблемы современных домашних музыкантов. Особенно ярко эти вещи проявляются в частотах в районе нижнего низа, а их причиной служат различные факторы: плохое акустическое окружение, невнимательность при мониторинге или соседи, которые не любят трясущиеся от баса стены в 3 часа ночи. В итоге бас создаёт грязь и превращает весь микс в кашу.
На просторах музыкальных форумов и различных околомузыкальных обсуждений можно найти миллионы сообщений, касающихся решения проблем с переизбытком баса. Проблема в том, что 95% решений предлагают изменить (улучшить) акустическое окружение, переставить или вовсе сменить студийные мониторы и/или наушники, прибегнуть к использованию бриллиантовых проводов в золотой обмотке или заняться сведением при полной луне. Конечно, фантазии комментаторов можно только позавидовать, но грязь из микса такие советы не уберут.
Справиться с избытком баса в миксе поможет параметрический эквалайзер. Такой плагин присутствует в составе любой DAW — его возможностей более чем достаточно для низкочастотной фильтрации.
Как использовать
Повесьте эквалайзер на главный выход DAW. Установите Low-Pass фильтр на отметку 100 Гц — так вы круто срежете всё, что находится ЗА ЭТИМ порогом. Включите мониторинг, чтобы посмотреть, что звучит в миксе.
Теперь включите воспроизведение и посмотрите на то, какие частоты звучат ПЕРЕД ОТМЕТКОЙ В 100 Гц. Увидев наличие низких частот в этой зоне, поочерёдно отключайте дорожки до тех пор, пока не найдёте виновника.
Логично, что в этом месте появятся частоты бочки и баса — здесь они и должны находиться. Задача в том, чтобы отловить все остальные инструменты, попавшие в эту область — именно они создают грязь в миксе. Даже если у вас очень бюджетные мониторы или наушники, такая методика сработает безотказно.
Отметка 100 Гц — место, где не должно быть вообще ничего лишнего.
Выявив лишние инструменты, чистите микс эквалайзером. Для этого подрежьте все сигналы, влезающие в область 100 Гц. В итоге эта область освободиться от грязи, а у бочки и баса появится больше места.
Несмотря на это, небольшое проникновение (тот самый bleeding) сигналов других инструментов в эту область — не всегда ужасно, смертельно и критично, порой проникновение идёт на пользу верхнему низу. Стерильность вам тоже ни к чему, из-за неё микс теряет жизнь. Доверяйте в этом вопросе слуху и спектральному анализатору.
Больше об эквализации
3 Микс против розового шума
Музыканты уделяют большое внимание плотности и упругости ритм-секции — бочка и бас должны качать все вокруг, задавать плотный ритм и чуть ли не бить в лицо слушателя. Многие продюсеры, работающие с электронной музыкой, строят сведение вокруг бочки, панорамируя инструменты и расставляя уровни с оглядкой на нее. Такой подход вполне адекватен, если бы не одно но: бочкоцентрированный подход сложно применить в стилях, где бочке отводится не главное место, а ударные требуют более сложного и комплексного взгляда.
Опережая вопросы «Ну и че?», отвечу: во время сведения выбирайте в качестве ориентира тестовый сигнал розового шума (Pink Noise Test Signal), а не бочку. Розовый шум очень близок к тому, как работает наш слуховой аппарат, поэтому с его помощью легче определить слишком громкие и слишком тихие инструменты в миксе. Тем не менее розовый шум не панацея: некоторые сигналы могут прорываться через уровень шума или, наоборот, скрыться за ним среди других звуков. Чтобы не обмануть себя, дополняйте пинк нойз референсным треком, чьё звучание ближе всего к вашему проекту. Согласитесь, два ориентира лучше одного.
Даже с учетом того, что некоторые сигналы могут переорать шум, его использование обезопасит от резких перепадов громкости между разными элементами микса. Сходу понять принцип работы с розовым шумом не так просто, но разобравшись в методике можно добиться великолепных результатов.
Как использовать
В качестве примера рассмотрим два варианта работы с шумом: связку из бесплатных плагинов MDA Test Tone + Voxengo SNAP и встроенные в Logic Pro X стоковые плагины.
MDA Test Tone + Voxengo SNAP
Активируйте на мастер-канале плагин MDA Test Tone и переведите его в режим работы Pink Noise. В разделе Output примените плагин ко всем каналам, выбрав опцию All Channels. Параметр Level установите на значение равное −23 дБ или близкое к нему. Также обязательно поставьте галочку напротив пункта Audio Thru.
Следом за MDA Test Tone расположите на мастер-канале анализатор Voxengo SNAP. В окне плагина перейдите в секцию Metering и выберите параметр K-14 — внутри себя плагин усилит все сигналы до значения −14 дБ. Такие настройки обеспечат достаточный хедрум для подгонки уровней. Теперь регулируйте уровень розового шума таким образом, чтобы пиковые сигналы находились около нулевой отметки, а общий уровень RMS оставался в районе −8-9.
Встроенные средства Logic Pro X
Теперь добавьте на шину плагин Level Meter, находящийся в той же секции Utility. Активируйте в плагине режим Peak & RMS — наша задача в том, чтобы уровень розового шума достигнал −13 dBFS по пиковым значениям или −25 dBFS по RMS.
Использование розового шума помогает создать откалиброванную и объективную картинку микса, под которую подгоняются все дорожки. К тому же с шумом проще найти баланс между всеми сигналами для дальнейшей обработки и мастеринга.
4 Работа с Mid Side информацией
Когда мы говорим о стереозаписи, то перед нами появляется четкий образ пары микрофонов, снимающих правый и левый каналы. Этот простейший образ повторяет расположение человеческих ушей и доступно иллюстрирует, что такое стерео. Тем не менее правым и левым каналом дело не ограничивается — существуют и более сложные методики стереозаписи.
Одним из альтернативных методов записи звука является техника Mid/Side-записи. Представьте, что один микрофон стоит по центру комнаты (Mid) и записывает все, что попадает в его зону слышимости, а второй и третий (Side) микрофоны стоят в сторонах и снимают только то, что происходит по бокам. Mid/Side-техника дает возможность акцентировать или оттенять звуковые элементы микса на основе стереополя. Благодаря этому звукорежиссер может точно отрегулировать расположение сигналов в миксе: кто находится ближе к слушателю, а кто дальше.
Mid/Side-обработка базируется на двух каналах:
В Mid попадает вся информация из центра стереополя: чем больше данных в этом канале, тем прямолинейнее звучание трека.
Side
В Side попадает информация, находящаяся по бокам стереополя. Чем больше информации в Side-канале, тем шире и объемнее звучит микс.
Если Side-канал вывести в ноль, а Mid-канал ослабить на пару децибел, в миксе появится дополнительное пространство без риска перегрузки. Если же ослабить Side-канал и усилить Mid, то микс станет ближе к моно. Последний вариант пригодится партиям баса и другим элементам, чьи основные частоты находятся в районе нижнего низа.
Как использовать
Для Mid/Side-обработки понадобится эквалайзер с поддержкой этой функции. К таким можно отнести стандартный эквалайзер Logic Pro X и Ableton Live, эквалайзер в iZotope Ozone, а также отличный FabFilter Pro-Q.
Простой пример работы с отдельными сигналами
На изображении выше хорус и эквалайзер выключены, поэтому результирующий спектр выглядит так:
Активация хоруса изменит спектр. Если посмотреть на правую сторону анализатора, то можно увидеть, что основная аудиоинформация поступает в стереорежиме, но некоторая ее часть разлетается во все стороны в районе 30 Гц.
Активируем эквалайзер и добавим фильтр в районе 220 Гц (48 дБ). Эквалайзер должен работать в режиме Side Only — так он обработает только Side-информацию микса.
Активирована вся цепочка эффектов: бас, хорус, эквалайзер
Если взглянуть на спектр, то в нем снова появятся изменения: теперь звук баса представляет собой что-то среднее между моно- и стереосигналом.
Результаты активации всей цепочки эффектов, состоящей из басового синтезатора, эффекта хоруса и эквалайзера в режиме Side Only.
Все действия привели к тому, что частоты ниже 200 Гц стали сфокусированнее. Частоты выше 200 Гц, которые тоже присутствуют в сигнале баса, сохранили объём. Получилась ситуация, когда низ звучит в моно, верх — в стерео.
Применение к шине эффектов или всему миксу
Выше мы работали с конкретным сигналом, но Mid/Side-обработку можно применить к группе каналов или всему миксу. Благодаря этому звукорежиссёр может добавить миксу стабильности, чистоты и ясности. С помощью аккуратного оттенения Side-информации всего микса композиция приобретет более ровное звучание. Такой подход даёт отличные результаты: ослабление Side-канала очищает верхний низ, его усиление даёт больше воздуха и лёгкости.
Креативный подход
В портфолио Voxengo присутствует бесплатный Mid/Side-процессор Voxengo MSED. Его основное предназначение — декодирование аудиосигнала, записанного в обычном стереоформате, в Mid/Side-сигнал. Помимо этого MSED можно эффективно использовать в роли гейн-контроллера Mid/Side-каналов. Применение плагина освободит середину микса и расширит стереополе без риска искажения исходного сигнала.
Форумы MixGalaxy.ru
Форумы сайта о создании музыки
Композиция перед отправкой на мастеринг
Композиция перед отправкой на мастеринг
какая громкость peak и rms должны быть у композиции перед отправкой на мастеринг, и что также важно, какая не должна быть, т.е. чего избегать?
и что ещё важно знать перед отправкой композиции на мастеринг касательно звука?
может быть делать музыку заранее с какими то параметрами, или что то ещё, вобщем проясните пожалуйста эти вещи
так свести,чтобы поменьше лажи было 
ну это понятно
вот насчёт 32 бит бы конкретнее, я читал краем глаза что типа можно сводить в 16 битах, а рендерить в wav нужно в 24 или 32. вот меня интересует, можно ли так? т.е. не нужно ли заранее сводить в 32, не изменится ли ничего в звуке, если сведение будет в 16, а рендеринг\экпорт в 32?
ну и про громкость и рмс.
Gipa спасибо, пошёл читать
Сколько не читаю темы новичков, все больше поражаюсь гениальности Тишмаера. Ну буквально ВСЕ охватил мужик в своем видеокурсе, эндивакс нервно курит.
По сабжу: rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=198057
Там дядька, нуоч умный, так вот его послушаешь, и никаких вопросов касаемо миксинга не останца, если внимательно бушш слушать.
надо быть уверенным, что свел все если не идеально, то без явно слышимых огрех.
85 dBSPL (т.е. нормальный, громкий сигнал). Громкость мониторов я откалибровал и больше не трогаю, как и громкость выхода аудиокарты. Соответственно, при написании и сведении трека у меня хедрум есть в любом случае. Пиков нет и в помине. А на мастере остается только эквализация, и совершенно безболезненная компрессия и лимитирование до нуля.
Headroom in Audio Recording: What, Why, & How
Headroom in audio is a confusing concept for a lot of people because it encapsulates so much technical information in one word, and that info is applied at several stages in the recording, mixing, and mastering procedure. We need to understand what it is before we can realize why it is so important. And ultimately we’ll talk about how to use it to maintain the highest quality for your music.
What in the world is headroom in audio? Why should we care? Even if we did care, how the heck do we use it?
These are the three most common questions surrounding this mysterious topic. Most people who are trying to record a song aren’t interested in perfection, so they just hit the ‘record’ button and go.
Even those who do care about quality find that they can get it good enough without worrying about these intricate details. But if you’re a professional, there’s no wiggle room.
You, your team, you’re studio engineers, and your listeners all are demanding the highest quality reasonably possible each step of the way. And to pull that off, you’d better know about headroom!
Everyone knows about the noise floor. It’s that most quiet region of your audio tracks where all you hear is the hiss and hum of electrical noise and whatever ambient sound you have going on in the room.
We all mute those regions when we are putting songs together. But there is an opposite of the ‘noise floor’ as well. You could call it a distortion ceiling.
And guess what this ‘distortion ceiling’ is related to. You guessed right! Headroom.
Let’s get this underway. The goal here is to keep this discussion as simple as possible. I will reference the more technical aspects for those who want to go down that rabbit hole, but it’s not necessary even for professionals. So let’s keep it casual.
What is Headroom in Audio?
This term comes from the engineers who designed analog and digital audio systems. It was then used in a similar manner by studio professionals to refer to a conceptually similar aspect of recording but slightly different. Let’s get a little backstory in that will make things more clear.
So we were talking about a noise floor and a distortion ceiling. If you record too quietly you’ll have to normalize the audio to reach a standard volume level when you release your song.
As you turn up your mix you’re also turning up the noise that was hiding down in the noise floor. So obviously you want to record louder so this doesn’t happen to your songs.
So you crank up the preamplifier and the gain and try again. This time you went too far and hit the hard distortion ceiling resulting in what is known as clipping.
I’d rather have a consistent background noise than clipping in my songs, but both suck and if you’re to be taken seriously you’d better feature neither in your album.
The distance between the noise floor and the distortion ceiling is called the dynamic range.
The dynamic range is all of the available space for the combined amplitudes of all of your tracks (the voltage of the electrical signal in analog recordings and the amount of data bits in digital audio).
In the real world, just think of this as your combined volumes at any given moment of a song and remember that there’s a maximum amount you can have before you start clipping.
So, the equation I typed above basically tells you that you have a certain amount of useable space that sounds clear enough to be useful. This is the distance between the noise floor and the distortion ceiling and it’s called the dynamic range.
The Full Resolution Sweet Spot
Now here’s where people get confused, and it gets even worse because you have to start converting between analog recording levels and that of digital. Let me set the story straight for you.
The first thing people start doing to avoid the noise floor is to record as hot as possible, meaning they try to crank the input up to a volume that’s as high as it can be without clipping. And of course they end up clipping somewhere and keeping it because they fell in love with that vocal take or the guitar solo, etc.
People do this to try to minimize any possible noise in the recordings. So they close mic and turn up the preamp’s input volume. These are all mistakes because you’re completely eating up your headroom.
The truth is that there is a sweet spot and it’s not remotely all the way up at the ceiling. Let me just go ahead and state the sweet spots and then we’ll discuss why we use these figures and why they are different.
The full resolution sweet spots for recording are:
In order to keep this simple, we’re not going to talk about the various scales of decibel units. We’ll just call it analog or digital. It all started with analog recordings and you can’t escape it. Any time you use a microphone you’re starting analog. Unless you plan on sticking a voltage meter in between every step of your signal path, you need to understand gain staging.
‘Gain staging’ simply means «Keep your volumes near the sweet spot in each step of the recording chain.» That means for your microphone, your preamplifier, your compressor, your equalizer, and especially at your analog-to-digital converters, you want to be hanging in right around 0dB.
Analog vs. Digital Signal Levels (Image Credit: Sound on Sound)
That’s your sweet spot where you’re using every bit of resolution available. Yes, you can record hotter but you’re wasting your headroom! So if you’re nailing it on the digital side, you’re doing fine on the analog side. This is why every piece of outboard gear has gain settings, so you can adjust it and keep yourself in the safe, sweet zone.
And Finally. Headroom
You don’t want to or need to fill up that space during the recording or mixing stages of the recording process. You want to save it for the mastering engineer. You’ll learn why in a second.
Why Do We Care About Headroom in Audio?
Even in simple language that’s still quite the story to explain what headroom is. The question becomes why do we care and why does it exist?
The main reason is because all instruments before the digital age of synthesizers (and even most of them are pressure sensitive now) change in volume as you play them. You want this to occur because it allows you to control the emotional impact of your performance and a lot of other reasons.
The main point is that you want as much of your performance to be recorded at the sweet spot, meaning you want your average recording volume to be at that sweet spot for full resolution recording.
By averaging your volume at the sweet spot, you’re not only achieving the highest quality for the most amount of time on your recording, but you’re giving yourself a solid 18dB of safety margin so that you don’t clip and distort.
If you’re a crazily dynamic performer who needs 30dB of safety margin, you’re not going to try to average lower or try not to play naturally. You’re going to use a compressor so that you don’t peak out across the ceiling. It’s not negotiable.
You want to average at the sweet spot and this gives you about 18dB of buffer zone. If 18dB isn’t accommodating enough for your loud transients, then you’ll use a compressor.
To reiterate, the answer is that we care about headroom because it’s a safety margin against clipping and it means that we’re recording closer to the sweet spot that gives us the best quality by using as much of the resolution our digital system will allow.
How Should We Use Headroom in Audio Effectively?
We already talked about «how» to properly record to preserve headroom and nail the sweet spot. But let’s talk about how we then use this headroom to maintain the high quality we are shooting for in the final master.
More confusion comes regarding this topic when amateurs load up MP3’s or wave files ripped off of master recordings such as a CD release or iTunes download. Not only is there no headroom but the waveforms are smashed to smithereens!
But yet, it sounds fantastic. That’s because the team behind the song saved their headroom until the final stage where it’s meant to be used, which is the mastering stage.
This amateur won’t know if he’s using 16-bit, 24-bit, or 32-bit DSP systems, which provide different amounts of headroom too. No wonder this is all confusing.
Think about it like this. You’ve recorded every single instrument at the sweet spot so that you capture every nuance of the sound with minimal noise.
This is what makes a recording «high quality.» By having the fullest resolution sound possible, you can then make all of proper mixing choices because you can hear the tiniest detail.
But if you take every instrument and play them at the same time, your master channel is going to peak out and clip. So you have to turn down various sounds during the mixing stage and balance them so that they play well together without clipping.
The Benefits of Good Headroom in Audio
After the mixing engineer is done spit-shining and polishing your song, he’s got to pass it off to the mastering engineer. These days, every song on a record might be recorded in a different location with different equipment and mixed by a different mixer.
The mastering engineer’s job is to fix the tonal balance of all of the songs so that they sound unified, and then ultimately to push the volumes up to the current standard for a professional release.
The mastering engineer is the only person who should eat up all of the headroom in audio, and really that only happens for pop music. Lots of genres still preserve and appreciate dynamics and breathing, such as classical music.
But the point is, he or she now has the space to work with to apply additional compression across the entire track, cut or boost on the equalizer, and any number of other activities.
And finally, he will normalize the tracks so that the loudest peak across the whole album hits the ceiling without crossing it, and all songs are playing at the same average volume that is comparable to all other professional releases.